…por 2 motivos.

fonte: http://www.kuteev.ru

Já diria Vicente Gil no seu livro (A Revolução dos Tipos) “A grande transformação tecnológica foi a de facilitar um número infinito de experimentos, contribuindo para o desenvolvimento de novas linguagens, de novas posturas e, principalmente, o desenvolvimento de linguagens próprias e particulares de cada designer”

Specimen Art, nomenclatura usada pelo pesquisador John Naisbitt no livro High Tech - High Touch, 1999. Usada para designar artistas que utilizam o corpo (humano ou animal) e seus derivados como matéria prima ou suporte para seus trabalhos.

A arte choca, e segundo muitos artistas, essa é uma de suas funções: gerar questionamento, discussões. Damien Hirst, um dos principais artistas vivos, e o mais bem pago atualmente, diz irônico “afinal de contas, você quer apenas alegrar as paredes das pessoas”. A Specimen Art choca simplesmente porque existem muitos tabus em relação ao nosso corpo e à morte. Somos feitos basicamente de água, de fluidos, e temos muito nojo disso. Urina, sangue, saliva, todos líquidos que produzimos são tidos por estes artistas como possível matéria prima, mas não necessariamente para a “belas artes”. O que é belo inclusive? Ou o feio? O que é natural, anormal? Esses artistas estão menos preocupados com os aspectos culturais, e mais com o que é real. “Se olhar para essas imagens faz com que seja mais fácil para nós olhar para o aspecto real dos erros da natureza, então terei aumentado a nossa percepção de que a verdadeira feiúra no mundo vem de nós – e não de fora” diz a fotógrafa Nancy Burson.

Marc Quinn, conhecido pela obra “Self” onde utilizou o próprio sangue na modelagem da imagem de seu rosto, recentemente gerou polêmica em Londres ao executar uma escultura. A obra de 3,5m de altura apresenta a imagem de uma deficiente física nua e grávida, disposta ao lado de outras estátuas de personalidades importantes da cidade. Segundo o artista, “A escultura grega clássica foi mutilada de alguma maneira”. Observa ainda que as pessoas não se sentem desconfortáveis quando vêem uma estátua da antiguidade grega, mas sim quando vem um mutilado ou um deficiente físico na rua.

Para a artista Marina Abramovic, manter o corpo e a alma juntos é sinônimo de vida. A performance, que foi uma das primeiras manifestações artísticas a pensar o corpo enquanto suporte, teve seu auge entre os anos 1970 e 1980 e vem sendo reciclada constantemente como explica Abramovic para a Revista E do SESC. “Nos anos 70, a performance era muito conceitual, muito relacionada ao corpo e à moda. Nos anos 80, ela passou a acontecer principalmente dentro das galerias de arte e, por isso, estava relacionada às vendas que aconteciam dentro desse espaço - que é feito para isso mesmo, vender o que estava exposto ali. Mas não é essa a sua função, por isso ela teve de sair desses espaços e foi para os clubes noturnos, depois para o teatro, para o museu, voltou para a dança. Por isso, gosto de pensar na performance como uma fênix [ave mitológica que se deixava queimar num braseiro para depois renascer das próprias cinzas]. Ela está sempre queimando, morrendo e renascendo - de uma maneira diferente, com formas diferentes. Nos anos 90, ocorriam muitas performances também, mas não eram pensadas para ser realizadas diante de uma platéia; logo, foram rejeitadas pelos museus.” Abramovic conhecida pela genialidade, simplicidade, e polêmicas que causou, que inclusive lembram muitos comentários feitos sobre a obra “Exposicíon Nº1” do Costa-riquenho Habacuc (em que, supostamente, durante uma instalação deixou um cachorro literalmente morrer de fome). A opinião pública é unânime: porque ele não fez isso com ele mesmo? Provavelmente funcionaria melhor. Abramovic realizou inúmeras performances onde se autoflagelava, ou ainda onde deixava que o público optasse por isso e ele mesmo implicasse danos físicos à artista, e assim o fizeram. Há ainda registro de suicídios em algumas performances mais radicais na década de 80. Que os artistas queiram usar o próprio corpo como forma de expressão é aceitável, mas usar o corpo alheio em um protesto pessoal, sem consentimento do outro, acredito que não, foge do aspecto do protesto e esbarra em questões éticas. A artista, pesquisadora e professora da Universidade de Caxias do Sul (RS) Diana Domingues, especializada em arte contemporânea, disse para o site G1, “em qualquer campo da atividade humana deve haver respeito à ética. A própria arte cobra esse respeito”. Disse sobre a instalação de Habacuc.

A morte da arte, ou, a morte na arte?

O tabu da morte é tido como o principal, o mais forte, mais intenso tabu nos dias atuais. Teve seu surgimento no renascimento, com a descentralização de Deus, colocando o homem no centro do universo e de todas as coisas: o nascimento da noção de indivíduo. “Na Idade Média, as sepulturas ficavam na igreja estando ao mesmo tempo no centro da vida social”, analisa o antropólogo Jose Carlos Rodrigues professor da PUC RJ, autor do livro O Tabu da Morte. “Estamos reconhecendo o espírito da morte? Ou estamos barganhando com a tecnologia em troca de tempo?” Questiona Marc Quinn.

Andres Serrano, fotógrafo nova-iorquino, realizou uma série de fotografias intituladas The Morgue (O Necrotério), onde traz inúmeras fotografias tiradas com o fino filme fotográfico cibachrome de alta definição, fotografias impecáveis, no aspecto técnico excepcionalmente belas. Fotografou com os sentidos a flor-da-pele, entre outras, Pneumonia Due to Drowning III (Pneumonia Devido à afogamento III). A imagem do close de uma pequena mão de criança, solta, como em um momento de sono, repousa levemente sobre um tecido de algodão roxo-claro (muito comum em enxovais), uma pequena ferida no dorso que chama atenção pela simplicidade, como uma marca de nascença ou um carimbo, uma ferida simples, desviando a atenção do verdadeiro motivo da morte. A pele rosada, aparentemente viva, mas devidamente etiquetada no pulso.

Aqui me deparei com um grande problema. Gravamos a cena com diversas câmeras e algumas delas com movimento, e são justamente essas que não estou conseguindo usar, pois quando a o personagem está em primeiro plano, o fundo azul não traz nenhum elemento para trakear a camera. A única maneira então é usar cenas captadas no tripé: estáticas. Como essa.
Veja aqui a cena do guardião de olhares interpretada pelo Seu Luís. Tomada de close usada no final do clip como flashback.

Primeira montagem:

Plano sequência original telecinado e establizado:

Intro:

Alvorada (sequencia final):

Teste de chuva:

Passaros para ajudar na passagem do 3d para o filme:

O dia vira noite, como se fosse um interruptor:

StyleFrame da assinatura:

Campo final da tarde:

Campo noite/dia, referencia do Magritte:

Cidade de noite:

Imagens do set:

A única coisa captada foram os atores e as portas, o resto é grafismo digital.

Style Frame das Cenas dos Olhos:

Estudos do quarto, ainda falta colocar os objetos na mesa e arrumar um pouco o traking. Veja o vídeo

Depois dessa tomada, a camera entra dentro de uma caneta bic, esse é um estudo feito em 3D. Veja o vídeo

Uma cena romantica, e nesse caso, bem kitsch. Quase uma cena defaut de beijo, e vai piorar um pouco ainda. Ainda falta o inusitado.
O render está dando muito problema, falta de memoria do after, então o video ficou com uns defeitos especiais: veja o vídeo

Finalmente fiquei um pouco satisfeito com o movimento das folhas, usei uma simulação de tecido para balançar as folhas com o vento.

Para quem não reconheceu a musica, o nome dela é “Dead Already”, trilha sonora do Beleza Americana. Eu escolhi essa música porque assim como o personagem do filme este é um projeto q já sabe q vai morrer no final. Eu preciso dos direitos de liberação da obra para poder lançar o curta, e não sei se vou conseguir.